La Asociación de Productoras de Cine Publicitario (APCP) celebró el pasado 18 y 19 de octubre la sexta edición de las Jornadas de Producción de Cine Publicitario, a la que asistió un año más Cine&Tele. En esta segunda ocasión en Valladolid, la gran novedad fue la celebración, por primera vez, de unos premios para reconocer el talento en la industria. Además, durante la Asamblea de APCP se eligió a Albert Soler como nuevo presidente de la asociación.
Valladolid volvió a convertirse en el epicentro de la producción de cine publicitario en España y la intención es que lo siga siendo en los próximos años. La organización está contenta con esta ubicación, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Valladolid, Valladolid Film Office y la Semana Internacional de Cine (SEMINCI), festival que empieza justo después de estas jornadas.
‘Cine Publicitario: Elevamos la mirada, producimos calidad’ era el lema de esta edición, celebrada íntegramente en el Teatro Zorrilla. El evento estuvo rebosante de mesas redondas y conferencias, así como diversos momentos y espacios para el networking.
La APCP, durante el primer día, celebró su habitual Asamblea, que en este caso tenía una relevancia especial, pues en ella se nombró al nuevo presidente de la organización.
El presidente saliente, Manuel García (The Brownie Film Co.) agradeció los cuatro años que ha estado en el cargo y resaltó que la clave para hacer las cosas bien es «ser autocríticos». Cuando entró, se fijaron varias metas. Una de ellas fue el compromiso de que todos sus socios debían estar auditados para tener la certificación AENOR.
«También queríamos crecer. Éramos 18 y ahora somos 50. Eso nos da una visibilidad e influencia —apuntó García—. Antes nos conocíamos poco y nos mirábamos con recelo. Seguimos siendo competencia pero nos gustamos. Sigamos así unidos».
Albert Soler (Mamma Team), que estaba previamente en la Junta de Gobierno, reconoció la gran labor previa: «Han sido los cuatro mejores años de la Historia de la asociación. Voy a intentar coger el legado y continuar por el buen camino».
Los primeros compases de las jornadas contaron con un scouting en el que un grupo de localizadores mostró distintos lugares de gran potencial para rodar: los interiores del Palacio Real, diferentes mercados como el de Val y Campillo, las bodegas Mocén y El Hilo de Ariadna Yllera, diferentes miradores de la ciudad, etc. Durante la mañana del día 18 de octubre, también se desarrolló una mesa de trabajo organizada por el Club de Creativos, con el fin de que, entre creativos y clientes, se mejore la comunicación entre todas las partes para que las ideas y las negocios confluyan y los resultados sean mejores.
De hecho, la comunicación fue un eje vertebrador de todas las jornadas. La necesidad de una mayor capacidad de diálogo para resolver los conflictos fue una petición recurrente. Según se remarcó en varios momentos, es fundamental que todos tengan más claro la visión general del proyecto y entender el concepto. Reafirmar eso, entendiendo las motivaciones y necesidades de los demás, es, según todas las partes, un pilar para producir mejor creatividad.
Precisamente, un evento como estas Jornadas sirve precisamente para tender puentes, estrechar las relaciones de confianza y facilitar los acercamientos de posturas, a veces encontradas, en un trabajo que destaca por ser transversal y en equipo.
Tras un cóctel de bienvenida en el Círculo de Recreo de Valladolid, Kate Jenner, directora de Little Black Book España y Portugal, fue la maestra de ceremonias en las distintas conferencias del evento. La primera de las mesas redondas de esta edición tenía que ver con las productoras de service de cine y series de TV, es decir, las empresas que dan el servicio a proyectos internacionales cuando graban en España.
Javier Angulo, director de la Seminci, fue el moderador de este coloquio. «Valladolid es una ciudad de cine. Tenemos un festival de 63 años, vamos a pelear por el Museo del Cine y queremos que, cada vez más, vengan eventos como estas jornadas aquí», recalcó, añadiendo que, a tenor de las imágenes de los reels que pudimos ver, «la exigencia parece mayor, como si fuera un triple salto mortal».
Denis Pedregosa, cofundador de Babieka Films (Black Mirror, Exodus, Tomorrowland, The Rhythm Section, Blade Runner 2049), admitió que ahora «el margen de error es más pequeño y la exigencia es máxima». Se trabaja al detalle la estética o el marketing y se utilizan equipos con niveles internacionales.
Pedregosa, al que le gusta llamar «producción física» a su labor, señaló que cada proyecto tienes «sus particularidades» pero cuando se ponen en contacto contigo es «porque hay algo que les atrae de España», como puedan ser las localizaciones, incentivos, un director, los fun trips, etc.
Yanira de Armas Tosco, supervisora de localizaciones en Sur Film, en referencia a la gran exigencia actual, manifestó que «es más difícil encontrar el paisaje que la gente diga WOW. Muchas veces no saben lo que quieren y tienes que ir guiando».
La supervisora comentó que intentar educar a las Administraciones Públicas y que «ya están «consiguiendo resultados».
No obstante, el trato es muy diferente según con quien tengas que trabajar. «Hay algunas Administraciones Públicas que tienen la visión. En Peñíscola, por el rodaje de ‘Juego de tronos’, encargaron a una agencia holandesa medir el impacto mediático y salió que eran 3.000 millones de euros en inversión en medios», declaró Peter Welter Soler, productor ejecutivo de Fresco Film, empresa conocida especialmente por hacer el service de Juego de tronos.
Pedregosa intervino para añadir la idea del impacto directo. Puso como ejemplo que, en Almería, durante el rodaje de Exodus de Ridley Scott, bajó el paro un 4%.
«Muchos funcionarios, ante una complicación, prefieren no mojarse. Afortunadamente, cada vez hay más que sí se vuelcan», declaro Welter Soler, quien también incidió en que con los incentivos actuales no se puede competir con Hungría, Praga o Londres para atraer rodajes: «No podemos crecer con los incentivos que tenemos, son insuficientes en cuanto a porcentaje y límite, y eso que por cada euro el retorno es de 5 o 6 euros».
El representante de Fresco Film reconoció que el proceso de cine y publicidad es muy diferente: «El cine es mucho más burocrático. Pero el trato humano es distinto porque estar varios meses con las mismas personas te convierte en una gran familia. En publicidad no te da tiempo a coger cariño».
Aunque a veces se dice que la gran capacidad de los técnicos audiovisuales en España viene influida en gran medida por la publicidad, Welter cree que es algo de hace décadas, de cuando venían las producciones de Hollywood en los años 50 y 60. «El rodaje de cine es una maratón. Los que vienen de publicidad no saben gestionar los tiempos», expuso en su intervención.
Ante la pregunta de qué cargos son los más difíciles de cubrir para estas producciones, todos coinciden en que es la contabilidad. «Hay pocos buenos contables que sean reconocidos por los grandes estudios y los financial controllers. En España puede haber 4 o 5. Sin ellos, estás perdido», comentó Welter.
La siguiente mesa redonda, ‘La relación entre las agencias y las productoras en el escenario internacional’, permitió conocer el punto de vista de representantes de asociaciones de productoras publicitarias de otros países.
Matt Miller, presidente y CEO de la estadounidense AICP, se mostró muy preocupado con los nuevos competidores en el mercado, lo cual genera en el sector «angustia y ansiedad». Antes los competidores eran simplemente otras productoras pero ahora esto se ha abierto y hay muchos más que se han metido en el negocio de desarrollar la creatividad. Hay productoras globales, compañías editoriales, empresas de VFX, crowdsourcing, medios de comunicación y digitales, pero sobre todo la ansiedad viene por los departamentos in-house de agencias y de clientes, así como por las consultorías para reducción de costes.
«El problema es cuando hay un conflicto de intereses. Un árbitro no puede ser también jugador. Hay agencias que, en un concurso de ofertas de producción, tienen que decidir el socio para hacer el trabajo y no pueden hacerlo objetivamente porque una de las ofertas es in-house y hay un conflicto de intereses», señaló Miller, que piensa que se está eliminando la producción media, «el petróleo de la maquinaria» en la industria, que funciona como un «ecosistema». Esto, añadió, «minimizando la importancia del film craft, que siempre han representando las productoras de publicidad».
Miller expresó con rotundidad la importancia de concursos transparentes y juego limpio: «Los clientes tienen que saber que a veces les están vendiendo humo. No hay respuestas sencillas como las que le ofrecen ciertas empresas globales. No ofrecen el valor que dicen que dan. Nosotros tenemos que articular y demostrar nuestro valor porque ellos no van a poder».
La perspectiva francesa también estuvo representada con Julien Pasquier, presidente de APFP. Ante el panorama que dibujó Miller, ¿cómo pueden competir las productoras de cine publicitario tradicionales? «No ofrecemos simplemente servicios de producción, desarrollamos talento. Ese es nuestro negocio: traer al director adecuado, el enfoque artístico correcto y al precio justo», afirmó Pasquier.
Que cada vez las agencias y los clientes desarrollen departamentos de producción propios es por una cuestión de ahorro de costes pero, según el presidente de APFP, » es una visión miope del negocio».
Aunque no estaba en la agenda de actividades, el siguiente espacio estuvo dedicado a la posición de las mujeres en el sector, del que se encargó la propia Kate Jenner. «La posición de las mujeres crece más fuerte, como debería ser», señaló la representante de Little Black Books.
Jenner habló de una iniciativa en el Reino Unido para poner fin al acoso sexual en el sector creativo llamada #TimeTO. También se comentaron reivindicaciones como la igualdad salarial, la conciliación laboral y un porcentaje justo de mujeres, y salieron al escenario brevemente tres directoras de fotografía de la nueva asociación que han creado, que consta de 21 mujeres.
Entrevista a Reynald Gresset y los Derechos de Imagen
Uno de los momentos más interesantes de la primera jornada fue la entrevista con el realizador francés Reynald Gresset, que trabaja con productoras como Reset Content y La Pac, y que acaba de firmar un acuerdo para España con Mamma Team.
Gresset empezó haciendo documentales de música (es curioso porque su estilo en los anuncios es muy cinematográfico y se ve mucho cuidado por la producción): «En los documentales eres bueno cuando tienes un buen ojo. En publicidad se trata de crearlo todo, lo construyes».
El cineasta también subrayó otras diferencias. Entre otras cosas, que la publicidad «es un trabajo muy capitalista», por lo que «si tienes una mentalidad de artista y naif, este no es un buen sector para ti». También remarcó que tiene que dedicarse a cosas que no son puramente creativas. «He descubierto que, como realizador de publicidad, soy 50% director y 50% político. En los documentales era el 100% director. Todo el rato estamos pujando por trabajos», se lamentó.
Gresset, quien ama este trabajo porque «cada vez es una aventura», menciona que «las relaciones humanas son muy importantes porque es un trabajo orgánico». Él necesita conseguir esa «conexión emocional», algo no sencillo porque cada país es diferente. «En China las agencias luchan mucho con los clientes. Los clientes alemanes son muy educados pero quieren todo muy preciso antes del rodaje», indicó. En España dijo que prefiere rodar Madrid que en Barcelona: «El casting es mejor en Madrid porque hay más películas y obras de teatro»
El último coloquio de la primera jornada versó sobre los Derechos de Imagen en Publicidad, donde se reunió a productoras, agencias, clientes y agencias de modelos. Maripaz Lara, socia fundadora de La Joya Producciones, moderó este debate, probablemente el que más posiciones encontradas ofreció en esta edición.
Lara se quejó de que fueran las productoras las que tuvieran que firmar los acuerdos de derechos de imagen, pues cree que deberían ser los clientes. También aseguró que sería mejor si todo estuviera mejor marcado y tipificado: «Una tarificación nos ayudaría. Lo hacemos mal intentando hacerlo bien. Tenemos que profesionalizarlo más»
Sergio López de McCann Worldgroup abundó en esto último: «Si no hay una profesionalización, seguirá habiendo problemas». López puso el acento en que «estamos redefiniendo qué es el negocio» con unos procesos de comunicación que ya no son de masas, por lo que tiene que haber «una relación más cercana con las agencias de modelos».
El representante de McCann sugirió replicar un modelo de Estados Unidos para ampliaciones y renovaciones que se basa en un sistema de preacuerdos.
Verónica Seijas, directora asociada de la agencia de modelos y actores Bendita Profesión, también emplazó a «reordenar todo este monstruo digital» y «llegar a pactos», si bien defendió los intereses de los talentos, pues algunos pusieron sobre la mesa algunas anécdotas de modelos que pedían demasiado en las renovaciones o que mentían sobre haber trabajado o no para la competencia.
Jesús Becedas, coordinador de producción audiovisual y compras en BBVA, ofreció un testimonio algo más pesimista, pues «se manejan compras globales con tarifas distintas para 30 países».
En el turno de preguntas, un director de casting declaró que a veces los problemas con los talentos surgen porque «los actores no se sienten recompensados», ya sea porque no se vincula la tarifa al presupuesto de producción o por el escenario multiplataforma actual: «El problema es cuando se ajustan los precios y se compactan los medios. ¿Cómo se calculan los derechos de imagen para los nuevos medios?»
Manuel García, presidente saliente, intervino también para dejar claro que «en Europa está prohibido fijar tarifas». Expresó que APCP está en una mesa de negociación con los sindicatos: «Hay que sentarse y, con todas las limitaciones que hay, reordenar todo esto».
Mesa redonda de club de creativos y realizadores de APCP
Como suele ser habitual, una de las actividades estrella de estas jornadas es el coloquio entre creativos y directores.
«Cuando leo un guion, pienso ¿cuánta verdad hay? Existe todo un recorrido para mirar la esencia del concepto y preservar su integridad. Debemos unirnos para hacer cosas más potentes a través de la verdad», comentó Sebastian Grousset (The Gang) acerca de cómo decide involucrarse en un anuncio.
Uno de los problemas en este mundillo es el del recelo entre la integridad artística y la voluntad de mantener el concepto y las necesidades de la agencia.
«Hay que entender que esto es un negocio. Muchas de las dudas que salen entre realizador y agencia son las mismas que hay dentro de la misma agencia. ¿Por qué en cine se les llama directores y en publicidad realizadores? Porque no tiene nada que ver. El auténtico director de un anuncio es la marca. La marca habla a través del contenido audiovisual. Sabiendo que todos somos herramientas, se solucionan muchas cosas», declaró Oriol Villar, director creativo y fundador de Oriol Villar.
Marta Llucià, directora creativa ejecutiva de McCann Barcelona, también habló de esto y de la importancia de la autocrítica: «Me preocupa que a veces no entendemos y trasladamos las necesidades del cliente. Es cuando no lo haces cuando se produce esa desconexión. La última milla, ese momento en que algo puede ser un desastre o algo grande, es donde tenemos que enfocarnos y ahí tenemos que comunicarnos».
El rodaje es un momento que para unos es más tranquilo que para otros. «Al rodaje deberíamos llegar relajados, disfrutando porque hemos hecho el trabajo previo. Estar sufriendo por si nos van a engañar, a mí no me ha ocurrido. Es un tema de confianza y química, y seleccionar bien con quién vas a trabajar», apuntó Llucià.
El realizador Gabe Ibáñez (Autómata, Hierro) cree que todo debería funcionar a partir de la confianza: «Para mí no es una cuestión de autoridad, sino de capacidad profesional. Hay que ser muy tonto para estar seguro de que algo va a funcionar o no».
Grousset, aunque estima que tener a un creativo al lado sería «lo ideal», reconoce que durante los rodajes, pueden ser «un incordio» algunas intervenciones cuando se está «en una vorágine» y «sin haber fomentado una relación».
El realizador Sega afirmó que, inconscientemente, se crean barreras y distanciamiento. «A veces, se fuerza un poco porque parece que hay que mimarlos y eso marca una línea de separación».
También señaló la falta de tiempo en los rodajes actuales. «Echo de menos la evaluación de las posibilidades reales de producción. A veces se ruedan cosas de 3 días en uno», se quejó Sega.
El offline, es decir, la postproducción de la pieza, también puede ser germen de complicaciones porque es ya el final del camino. «Deberíamos reflexionar sobre los procesos. Las cosas tienes que digerirlas, compartirlas con el equipo. Lo que no puede ser es ver el offline a las 9 de la mañana y presentárselo al cliente a las 15h. Me parece un error garrafal», manifestó Llucià.
Personajes de animación y drones
Cuando se piensa en publicidad, no se suele hacer en animación, pero los spots con personajes de animación suelen conseguir una gran repercusión. La conferencia ‘Construyendo personajes en el cine de animación’ fue llevada por Úrsula García, cofundadora de The Frank Barton Company: «Cuando creamos un personaje, las buenas historias nos permiten conectar a nivel emocional, nos hacen reflexionar y a veces nos marcan para siempre».
García desglosó las claves de cómo fue el proceso de creación de tres personajes de naranjas para Trina. «Todas las características de los personajes las sacamos de cualidades del producto. Luego, la dirección de animación sigue esa línea y los personajes se comportan según ellas. Que los personajes vivan a través de su personalidad los acerca al mundo del cine», aludió la representante de The Frank Barton Co.
La estrella de esta charla era Juan Solís (Cuerdas, Planet 51), supervisor de modelado de personajes en Ilion Animation, el cual puso el acento en lo relevante del trabajo en equipo en animación. De hecho, en su caso, su labor empieza tras el trabajo previo del concept artist.
«Me apasiona la creación del personaje y me da igual si es para un largometraje grande o para un corto o publicidad pequeña. No los considero piezas de primera y de segunda. Yo los mimo igual; lo único es que en las producciones grandes tienes más tiempo para poder dedicarle», aseveró.
Su trabajo tiene una parte artística pero también técnica porque «transformamos el arte en algo utilizable en la cadena de montaje». Solís, que mencionó que un personaje principal en cine se crea en un proceso de unos 8 meses, dio algunos consejos, como por ejemplo, modelar los personajes con distintas poses para ver rápidamente si funciona o no, así como que los personajes, aun en modo neutro, tengan una intención: «Siempre tiene que haber una referencia de cómo es el personaje».
El dinero suele ser un escollo importante para hacer animación. «Yo siempre pienso en abaratar costes pero manteniendo un nivel de calidad. Pienso en elevar la calidad sin elevar los costes o sin fastidiar a los trabajadores (…) Lo bueno de la publicidad es que, al contar con pipelines menos complejos, eso te permite probar cosas nuevas», sostuvo el modelador.
Los drones se han convertido en uno de los recursos de referencia en muchos rodajes actuales. La ponencia ‘Marco legislativo y nuevas tecnologías en el sector de los drones’, a cargo de Octocamvision, dio cuenta de varias cuestiones sobre estos aparatos.
«Hemos tenido una evolución muy similar a la aviación real. Se empieza de manera casera y ahora somos más bien operadores. Compramos los equipos directamente y damos el servicio», Bernardo Sá Pereira, uno de los miembros de Octocamvision, empresa que colabora con EPC para el equipamiento de cámara.
Mostró algunos de los productos como los que trabajan, como el americano Freefly ALTA 8, u otros más pequeños, Inspire 2, de una empresa china. También enseñaron otros aparatos, como el Cablecam o el coche Wall-E o el Mantis, que simula el punto de vista de una persona y es muy conveniente para 360º.
La relevancia de los drones está muy aparejada a la belleza paisajística. «Nos hemos dado cuenta de lo importante que es que haya una cantidad grande de localizaciones que vender. Trabajamos con localizadores para tener un archivo de localizaciones muy potente y así poder atraer rodajes», aseguró Sá Pereira.
Su compañera Sofía Osorio continuó con cuestiones más burocráticas: «La mayor preocupación de los productores tiene que ver con hasta qué punto me afecta un rodaje con drones. Nuestra filosofía es asumir esa parte de los permisos y los seguros para quitar dolores de cabeza . La productora pide el permiso de filmación y nosotros hacemos el de ampliación de dron». También remarcó que en sus precios, «el material ya está asegurado, aunque se puede hacer una ampliación».
Por otro lado, con los drones no se puede volar en cualquier lado. Desde Octocamvision indicaron que hacen «un estudio de viabilidad de vuelo, sin compromiso, a partir de las localizaciones que se estén manejando».
Hay zonas restringidas como parques naturales con aves protegidas, CTRs (cerca de los aeropuertos), aeródromos y helipuertos, zonas militares… De hecho, Osorio dijo en esta conferencia que «los vuelos urbanos, CTRs y los vuelos nocturnos están en proceso de estandarización». Ahora mismo, en estos lugares puedes pedir los permisos pero, por ley, pueden tardar en responderte hasta seis meses.
El Branded Content y los Premios APCP
La organización dejó para el final un coloquio muy emotivo con mensaje social: el caso de branded content ‘Lucha de Gigantes’ para Acción contra el hambre, un proyecto que comprende un concierto, un documental y un disco (además de acciones complementarias como dos videoclips). Esta iniciativa partió de Emilio Aragón, que es vicepresidente de Acción contra el Hambre y lleva vinculado a la organización desde hace 15 años.
Pablo Muñoz de BCMA (Branded Content Marketing Association) ejerció de moderador en esta mesa patrocinada por Deluxe. Marta López, directora adjunta de Fundraising en Acción contra el Hambre, subrayó que la misión de Acción contra el Hambre era proporcionar las historias y dotar de contenido al proyecto.
«Como marca, es una suerte poder llevar un mensaje como este de un modo nuevo. Creamos un movimiento para apelar a la gente que se uniera. No se trata sólo de obtener donaciones, sino de recoger el compromiso de la gente», declaró López.
Itziar Puga, directora general de Caribe Estudio y responsable del proyecto, comentó que «la cuestión no era únicamente hacer algo bello y artísticamente impecable, sino que estábamos cumpliendo una función de corresponsabilidad». Ya llevan 250.000 personas que han apoyado la causa por ahora, en menos de un mes, y el objetivo es llegar al millón.
Según Puga, «la valentía de Acción contra el Hambre ha sido enorme porque no salen en el documental. Se han sabido aconsejar». El resultado es patente, porque están logrando mucha presencia en medios de comunicación y «no hay dinero de inversión que pueda pagar eso».
El documental tiene un estilo especial de cocreación: la gente se graba a sí misma con móviles facilitados por Acción contra el Hambre, sin planificación, sin directores de foto, en distintos lugares del planeta.
Hernán Zin (Nacido en Siria) es el director del documental. «En mis viajes he visto cómo los móviles han cambiado nuestras vidas. En África todo el mundo tiene móvil. Allí, y en América Latina y Asia, la calidad democrática ha mejorado gracias a las transmisiones de comunicación (…) El móvil es una herramienta apasionante para los directores, que vamos a seguir estando ahí. Cambiar los paradigmas narrativos, cuesta, pero la gente lo va a agradecer». aseguró el cineasta.
El documentalista destacó las posibilidades que ofrece este sistema. «Hemos ganado un lenguaje nuevo y es una comunicación horizontal. La calidad y la verdad, al no haber interlocutor, son extraordinarias. Ellos nos miran de tú a tú», indicó Zin, que admitió que, cuando le llegó el material, su mayor miedo era «arruinarlo».
Chelo Loureiro, productora ejecutiva de Caribe Estudio, repasó el recorrido el proyecto. Además de los pases en cines, en ocasiones con coloquio, gracias a la distribución de Súper 8 Distribución, el concierto y el documental acaban de ponerse a disposición de los usuarios de Movistar+. El documental también tendrá vida en festivales y en los países donde la ONG está presente. El disco sale el último domingo de octubre con El País y luego Universal lo editará comercialmente.
«Es una apuesta tremenda pero tener a un empresario-artista como Emilio Aragón dio el valor añadido para que el proyecto pudiese estar capitalizado por tantos artistas», apuntó Loureiro. Sobre el sistema de branded content, la productora estima que lo importante es la calidad del contenido, puesto que, si es bueno, «la marca siempre se refuerza».
La fiesta final del evento tuvo lugar, gracias al patrocinio de Bestours, Mamma Team y L’Domaine, en la bodega Abadía Retuerta, un entorno privilegiado que genera prestigiosos vinos en torno a una abadía del siglo XII.
Finalizamos la crónica de las jornadas con un repaso a los ganadores de la primera edición de los premios APCP. El Museo Patio Herreriano de Valladolid acogió la primera edición de la entrega de Premios APCP en la noche de la primera jornada.
El objetivo era premiar a los técnicos que más representen los valores que defiende la APCP y su acreditación de AENOR, profesionalidad, calidad, seguridad y legalidad.
Departamento de Produccion: VALERIA TARSITANO.
Departamento de Localizaciones: JAUME JORDANA.
Runner: JORDI MOLLA
Ayudante de Dirección: JUAN JIMÉNEZ
Dirección de Casting: ESTHER COCERO
Dirección de Fotografía: ROMÁN MARTINEZ DE BUJO
Departamento de Cámara: ÁLEX BENHAMOU
Departamento Eléctricos/Maquinistas: PEDRO SÁNCHEZ
Dirección de Arte: CESAR MARTINEZ
Estilista: ANA MORERA
Maquillador: MANUELA ROMERO
Anunciante (Empresa): BBVA
Agencia (Empresa): EL RUSO DE ROCKY
Producer de Agencia: MARILUZ CHAMIZO.
Productor APCP: Manuel García
